ESCUELA DE ARTES

"EL TALLER DEL AIRE"
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Escuela de artes en Madrid

Nuestros Cursos

Pintar un cuadro

PINTURA Y DIBUJO

El Taller del Aire te propone aproximarte de manera experimental a algunos de los procedimientos con que se elaboraron las grandes obras de la pintura.

Todos los niños pintan, miles de personas han pintado un cuadro alguna vez en su vida y miles también asisten regularmente a clases para aprender a dibujar y a pintar. Nunca en la historia ha habido tantos aspirantes a artistas plásticos. Pero, ¿por qué pintamos?, ¿sabemos realmente qué es un cuadro?, ¿cuál es su función? No será el arte de la pintura mucho más que la mera representación de una ocurrencia mejor o peor ejecutada.

 

Mirar un cuadro

MIRAR UN CUADRO

¿Sabes mirar una pintura?, ¿sabrías reconocer por ti mismo una obra de Arte?, y sobre todo, ¿eres capaz de percibir y disfrutar las posibilidades que ofrece un buen cuadro?

Te proponemos ejercicios con los que fundir las consideraciones teóricas e intelectuales con el estímulo de tu sensibilidad estética. Además del trabajo en el taller realizaremos visitas regulares a los museos. Cada mes elegiremos una determinada obra y nos adentraremos en sus espacios interiores, sus símbolos, su composición y su técnica, sus anécdotas y sus historias.

NIÑOS

TALLER DE CREATIVIDAD PARA NIÑOS

Todos los niños pintan.

En los centros escolares la formación artística de los niños suele ir poco más allá de cortar y pegar o de colorear sin pasarse de la raya. El Taller del Aire les ofrece la ocasión de cultivar, atendiendo a sus impulsos innatos, el casi infinito registro de recursos expresivos que, quizás desde antes de su nacimiento, atesoran en el fondo de su ser.

Sus rostros serán las ventanas por las que los adultos descubriremos el mundo, siempre nuevo, que aún habita el niño... que todos llevamos dentro. 

EQUIPO

El profesor: Alberto Donaire es el profesor habitual del Taller del Aire. Lejos de imponer sus propios criterio y estilo, Donaire respetará en todo momento la personalidad e intereses de cada uno de los participantes.

Profesores invitados: Siempre que sea posible trataremos de contar con las aportaciones puntuales de otros profesores para así diversificar y enriquecer las experiencias de los miembros del taller.

Salidas y visitas: Formará parte de las actividades del taller la programación de salidas y viajes para visitar lugares y eventos en los que enriquecer nuestra experiencia formativa.

EL ESPACIO

  • Un espacio común: A la manera de los antiguos talleres de oficio, los participantes compartirán el lugar de trabajo. Allí iremos proponiendo sucesivos capítulos temáticos en los que todos podrán participar e impregnarse.
  • Una constelación de espacios: Cada uno de los lugares ocupados puede convertirse en el espacio de trabajo permanente de cada uno de los participantes o pintores. A él pueden acudir (quienes elijan esta modalidad) en cualquier momento de la semana, aún no siendo horario de clases.

Elespacio

PRINCIPIOS FILÓSOFICOS

  • Podríamos definir la Cultura como el cultivo de la consciencia: por eso el Arte constituye uno de los tres aspectos fundamentales de la Cultura. Los otros dos son la ciencia y la mística. Cabe señalar que la ciencia no es la tecnología, el arte no es entretenimiento y la mística no es la religión.
  • El Arte es una aventura de transformación: la manipulación y la transformación de los materiales de trabajo pueden influir a su vez en quien las realiza y sus resultados pueden llegar a poseer un potencial transformador del espectador.
  • Por eso el intento de dedicación al Arte comporta un cierto sentido de la responsabilidad.
  • El pintor que sólo sabe de pintura ni de pintura sabe: para poder desarrollarse como artista es necesario cultivarse simultáneamente en los otros dos campos de la cultura.

OBJETIVOS

  • Desarrollo: Explorarar nuestra sensibilidad artística.

 

  • Aprendizaje: Aproximarnos, de manera teórica y práctica, al estudio de los principios fundamentales, filosóficos y técnicos, del arte de la pintura en la cultura occidental, especialmente desde la Edad Media hasta nuestros días.
  • Expresión: Abordar la realización de obras personales.
  • Comunicación: Disponer de un lugar donde mostrar al público el resultado de los trabajos realizados.
  • Encuentro: Crear un espacio de estudio, reflexión y debate en torno a la creación artística como parte de la Cultura.
  • Divulgación: Diseñar estrategias para comunicar a la sociedad la importancia de la Cultura en el desarrollo integral del Ser Humano.

LA METODOLOGÍA:
DESCUBRIENDO EL ARTE DE LA PINTURA

Introducción

La pintura es una de las llamadas bellas artes o artes menores. En su definición más básica y escueta, el arte de la pintura consiste en la plasmación intencionada de formas, colores y texturas sobre una superficie generalmente plana, mediante la adhesión en ella de finas capas de materia pigmentada, para alcanzar e inducir una experiencia estética.

 

  • Los materiales y sus condicionantes: Hay artes, como la danza o el canto, cuya práctica no precisa de más instrumento que el cuerpo del artista. O la poética, que se apaña apenas con un lápiz y un papel si es que ha de dejar su rastro. No es el caso de las artes plásticas. En la pintura los materiales, que llegan a ser muy variados, juegan un papel primordial, hasta el punto de que determinan en gran medida la naturaleza de la experiencia artística que la obra acabada podrá ofrecer. Por eso es muy importante prestar atención y cuidado a la hora de elegirlos, pues se podría llegar a afirmar que en esa labor de selección comienza ya el proceso artístico.
  • Los soportes: La gama de soportes que podrían recibir la realización de una pintura es verdaderamente amplia, desde materias de origen vegetal, como el papel, el cartón, el papiro, la tela o la madera, animal como el pergamino o el cuero, hasta mineral, como morteros diversos, superficies de metal como el oro, el cobre o el aluminio, la tierra o la misma roca. Cada una de ellas ofrece propiedades diferentes y exige también diferentes condiciones de trabajo. Dependiendo del material elegido y de sus dimensiones, suele hacerse necesario el empleo de artificios intermedios que dispongan la superficie ante el artista de manera adecuada. Tal es el caso del tablero donde clavar el papel, del bastidor donde tensar y presentar el lienzo para su imprimación y pintado o el del caballete donde instalarlos. La mayoría de esas y otras operaciones requiere a su vez de útiles específicos.
  • Los trastos: La mano misma es el útil primero con el que llevar el pigmento al cuadro. Un dedo manchado de sangre o una mano impregnada en arcilla y aceite pueden estampar su huella sobre la pared de una cueva. Por alguna razón el dibujante y pintor parece necesitar unificar los cinco vectores de sus dedos en uno solo mediante la adopción de un útil intermedio que, por su naturaleza, sea capaz de recoger y al tiempo expresar esos cinco impulsos. Dicho esto, procede señalar que podemos elegir una amplia gama de útiles intermedios para ayudarnos a modular el rastro del pigmento sobre la superficie, desde el soplado del color pulverizado al chorreo, del tosco palo carbonizado a la aguda aguja de plata o de grafito, de la amplia espátula a la gruesa brocha pasando por el fino y suave pincel.
  • Los colores: Todos sabemos que la luz del sol se descompone en los colores del espectro que convencionalmente hemos dividido en siete. Pero el pintor no trabaja con color luz. El pintor trabaja con pigmentos, es decir, manipula sustancias pigmentadas para ofrecerlas al estímulo de la luz. La naturaleza de los pigmentos seleccionados y del vehículo que los porta es una de las claves en la elaboración del cuadro.
  • La composición: Desde el punto de vista de la composición concibo el arte de la pintura como la armonización del círculo y el triángulo en la superficie cuadrangular del cuadro a partir del juego de las siete notas cromáticas suspendidas entre la polaridad del claroscuro. El cuadro se convierte así en un espacio simbólico del plano de tierra donde, en última instancia, se espera la manifestación de evocaciones propias de los planos superiores.
  • La representación, los géneros pictóricos clásicos, bodegón, paisaje y figura: Se ha dicho muchas veces, y creo que no sin razón, que no importa tanto la elección del modelo sino la manera en que lo interpretamos, que lo importante no es lo que se pinta sino cómo se pinta. Dicho esto resulta también evidente que desde un punto de vista arquetípico o simbólico, no transmite el mismo mensaje una manzana roja que una copa de oro o que un pez muerto sobre un plato, un luminoso paisaje marino al mediodía que un interior en la penumbra del atardecer, un caballo que un toro, o una niña que un viejo barbado. Y es que además de la geometría interna del cuadro y de la orquestación cromática, uno de los grandes recursos del arte es la representación de imágenes que el cerebro interpreta como reconocibles.
  • Metodologías de estudio: Podríamos sugerir que el objetivo último del Arte sea la exploración de la sensibilidad hacia el descubrimiento de uno mismo en el mundo. Para ello se hará necesario borrar las fronteras que separan los conceptos y las experiencias para interrelacionarlos entre sí. Por eso cuando, por ejemplo, estudiemos la figura humana, se hará pertinente tomar consciencia de que el biólogo o el médico, por ejemplo, están sumergidos en conceptos sobre ella muy diferentes a los del pintor, y que tenerlos en consideración podría enriquecer enormemente el proceso artístico. De la misma manera, cuando nos sumerjamos en la aventura del color, una aproximación al estudio del funcionamiento del ojo, de la óptica o de las propiedades de la materia en relación con la luz aportará matices significativos para el enriquecimiento de la experiencia plástica.

    La metodología académica proponía abordar el estudio de la pintura en tres fases sucesivas:

    La copia del natural: La sumisión o la obediencia a los dictados de la realidad aparente era la manera clásica de iniciarse en las artes del dibujo y la pintura. Se trataba de un método tradicionalmente disciplinado, del que deliberadamente se extraía toda pretensión poética, que se centraba en el adiestramiento del gesto para escalar y traducir en la bidimensionalidad del cuadro los datos recogidos por el ojo y la inteligencia en la tridimensionalidad aparente del modelo.

    La principal razón de ser de este procedimiento puede que residiera en la idea de que la sola expresión de la capacidad gestual que cada cual ha desarrollado de manera natural y espontanea a lo largo de su vida podría conducir a estancar, no sólo el gesto sino también la idea en un repertorio de vicios y lugares comunes que sólo podría producir obras amaneradas y simplonas.

    La subjetivización de la realidad aparente: Una vez se alcanzada la maestría técnica, el alumno adquiría ya el grado de profesional y podía desde ese momento iniciar la búsqueda de su estilo personal. Al principio era inevitable seguir, aún inconscientemente, la estela estilística de su maestro; pero poco a poco el nuevo oficial va logrando, ya en su propio taller, dar expresión a sus propias pulsiones interiores, hasta entonces sometidas bajo los rigores del aprendizaje.

    La manifestación de realidades no aparentes, la abstracción: Las pulsiones interiores, emancipadas de la dictadura de la realidad social, iban adquiriendo poco a poco entidad propia y podía suceder que en algunos artistas la pulsión lograse expresarse en formas y gamas que sólo obedecieran a las leyes de una geometría interior desconocida que buscaba expresarse.

    En nuestro caso, si bien tendremos en consideración este esquema, prestaremos una atención muy especial a algunos de los principios esenciales que, desarrollados en el sistema gremial de la Edad Media y aún plenamente vigentes durante El Siglo de Oro, posibilitaron la creación de las obras inmortales de la historia del arte.

LOS ORÍGENES DEL TALLER DEL AIRE

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En 1994 un grupo de amigos fundamos la ASOCIACIÓN EL TALLER DEL AIRE, que desarrolló su actividad en la ciudad de Sevilla hasta 2002. En aquellos años, en que más de 50 personas que pasaron por el taller, organizamos incontables actividades, y no sólo para el estudio de la pintura y el dibujo, que eran sus objetivos fundamentales, sino también muchas otras que contribuyeron notablemente a la experiencia formativa de los participantes. Entre ellas recitales musicales, cursillos monográficos sobre temas diversos impartidos por personas invitadas (mitología, canto, danza...), visitas guiadas y viajes de diversa duración y recorrido.

En 2002 decidí retirarme del trabajo compartido para iniciar una búsqueda más íntima y personal que diera respuesta a los muchos interrogantes que aquellos años habían ido poniendo ante mí, momento que el conjunto de EL TALLER DEL AIRE aprovechó para iniciar también un tiempo de reflexión y metamorfosis.

15 años después he decidido volver a abrir las puertas del TALLER DEL AIRE para compartir las pocas respuestas y los muchos interrogantes nuevos que he logrado cosechar. 

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EL LUGAR

EL TALLER DEL AIRE está en un local a pie de calle en C/ Sancho Dávila nº 21 de Madrid, en la zona de Ventas y junto al bellísimo e histórico Parque de La Fuente del Berro.

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EL TALLER DEL AIRE es un lugar donde encontrarnos a gusto frente a lienzos de formatos medios. Allí, como parte de vuestra aventura artística, podréis seguir de cerca el desarrollo de mis trabajos personales pues en el mismo local y en un espacio independiente, está también situado mi propio taller.

EL TALLER DEL AIRE es un lugar confortable en el que acoger invitados y en el que organizar eventos que nos impulsen en nuestro aprendizaje.

Esta zona de Madrid se está convirtiendo en un enclave de creciente interés cultural pues no sólo alberga ya otros talleres y academias de pintura sino también una de las más importantes salas de teatro del panorama internacional la Sala Tribueñe, la escuela de teatro Arte 4 Estudio de actores, o el Tablao La Quimera, donde poder disfrutar de buen flamenco.

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